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   COMENTARIOS DE BANDAS DE SONIDO, POR JORGE LUIS VIERA.

 

   Kill Bill

  La novia de Frankenstein

  Could Mountain

   Looney Tunes

  La puta y la ballena

  Sinbad el marino

   King Arthur

   El pago

  La batalla de Riddick 

   Hellboy

  Diarios de  motocicleta  

  Los siete magníficos

  Héroe

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 KILL BILL
  

Kill Bill. Volume One. Varios intérpretes. Warner Maverick B0000C9V3T .

Sí. Es verdad, esta vez se trata de un Soundtrack ( Compilado de música incidental y canciones ), no de un Score ( Banda original de Sonido de un film ), pero en el caso específico de un director como Quentin Tarantino un término es casi equivalente al otro.

"Kill Bill" ( su cuarto opus ) es fundamentalmente la historia de una venganza, en la que el director mezcla el cine de artes marciales, los samuráis, el spaghetti western y el animé, nada extraño para alguien cuya formación profesional consistió en ver el televisor de su videoclub en el sur de Los Angeles. Como consecuencia, aparecen muchas referencias cinéfilas que revelan sin dudar que el cine le apasiona.

Así las cosas, el film abre ( y no casualmente ) con el logo característico de la Shaw Brothers, productora de Hong Kong de los años '70, una de las tantas referencias posmodernas de este cineasta y un guiño para el conocedor. Y eso es sólo el comienzo …

El atuendo de La Novia ( Uma Thurman ) – en una idea conceptual basada en aquel personaje del film La novia vestía de negro ( The Bride wore Black. Francois Truffaut, 1968 ) - es el mismo que utilizara Bruce Lee en su última película, El Juego de la muerte. Los miembros del ejército de los 88 Locos, a quienes ella debe enfrentar, llevan máscaras como la de Kato, el ayudante de El Avispón Verde en la clásica serie de tevé ( Un tema musical que ni en la película ni en el CD podían faltar ) y el actor Sonny Chiba - de otra serie, esta vez la japonesa Shadow Warriors (1980-84) - es un legendario creador de sables que lleva el mismo nombre que su personaje en aquel programa televisivo.

Otra de las protagonistas, Chiaki Kuriyama, viste con el mismo uniforme escolar que tenía en el film Batalla Real ( Kenji Fukasaku. 2000). De este mismo cineasta Tarantino toma además un clásico de los film de yakuzas ( semejantes a nuestras mafias ), Battles Without Honor and Humanity (1973) usando en una escena clave su tema musical compuesto por Tomayasu Hotei , el que, desde luego se encuentra en esta antología y siendo lo mejor del CD, se lleva todos los aplausos.

Como si esto fuera poco, Bill, es David Carradine, el clásico protagonista de la serie Kung Fu. Completando el panorama súmenle a Yuen Wo-Ping, el coreógrafo de Matrix.
¿ Cansados ?. Espero que no … ya que todavía no hemos hablado de la influencia en esta película del spaghetti western. Influencia que se dejará ver plenamente en el Volumen 2. Por ahora ( y no es menos importante ) solo se aprecia su música, como la compuesta por el argentino Luis Enrique Bacalov para el El gran duelo: The Grand Duel. Parte Prima ( Giancarlo Santi, 1972 ). Tampoco sería justo descartar a la conocida flauta de pan de Georges Zamfir, con un tema que si bien no pertenece a ningún western - The Lonely Shepherd - si se encuentra en la banda sonora de Erase una vez en America, de Sergio Leone, de quien el director es admirador sin reservas.

Otra influencia cinematográfico/musical destacable es la del film Lady Snowblood (Toshiya Fujita, 1973) de donde sale el personaje de O-Ren Ishii , asi como las escenas que combinan nieve y sangre. La canción de ése film ( The Flower of Carnage - interpretada por su protagonista, Meiko Kaji - ) aparece con el mismo sentido tanto en la película y como en el CD.

Y , como digno broche de oro Tarantinesco, no podemos ( ni debemos ) olvidar al maestro de las bandas sonoras Bernard Herrmann, a quien se cita con el tema principal de Twisted Nerve ( Roy Boulting. 1968 ), para acompañar las fechorías del tuerto personaje que interpreta la bella Darryl Hannah, quien, al igual que el villano en la película de referencia, silba la banda sonora.

Para concluir – y esperando que no se hayan perdido – digamos que Tarantino fue, es y será ( aunque sólo haya hecho cuatro films ) un maestro en este tipo de cine que cita al cine. Quienes no hayan visto sus películas anteriores – y lean solamente esta reseña - pueden caer fácilmente en el error de creer que Kill Bill es más un film donde lo que importa es cómo se cuenta que lo que se cuenta. Pero no es así, el peso dramático de la trama fluye por sí misma y la música escogida por el director tiene una importancia fundamental. A este respecto el propio cineasta opina que " La música y el cine van de la mano, cuando estoy creando, así como necesito pensar en un actor, preciso saber qué música utilizaré acompañando la imagen ". Una decisión artística que los adoradores de los soundtrack agradeceremos por siempre.

Porque al fin de cuentas, Quentin también es uno de nosotros. 

Jorge L. Viera.

 

 LA NOVIA REGRESA
 

La Novia Regresa. Por Jorge Luis Viera.

Acerca de las Bandas Sonoras de

The Bride of Frankenstein. Franz Waxman. Silva Screen. Film CD 135.

The Westminster Philharmonic Orchestra conducida por Kenneth Alwyn.

The Bride. Maurice Jarre. Varese Sarabande CD Club. VCL 07021013.

The Royal Philharmonic Orchestra conducida por el autor. Ondes Martenot: Cynthia Millar.

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Cuenta la leyenda que Villa Diodati fue una de las propiedades de Lord Byron junto al lago Leman en Ginebra. Nos encontramos en junio de 1816 y allí tendrá lugar el encuentro del propio Byron con Claire Clermont, su amante, el poeta Percy Shelley y su pareja Mary Godwin - hermanastra de Claire - y su secretario y a la vez médico personal John William Polidori. ¿ El motivo ?. Vacacionar recopilando historias alemanas de fantasmas ( cada uno es libre de usar su tiempo como le da la gana ), lo que devino en una competencia ( ya histórica ) entre anfitrión e invitados sobre quien era capaz de escribir - durante ésa noche - la historia más terrorífica.

El resultado es popularmente conocido. Byron y Shelley abandonaron el intento, Polidori escribiría una inquietante historia titulada El Vampiro y Mary Godwin crearía para la posteridad su novela Frankenstein ó el Moderno Prometeo, publicada finalmente con el nombre de Mary Shelley luego de su casamiento con el citado poeta.

En ella, la autora uniría el mito de Prometeo - quien robó el fuego de los dioses para dárselo a los hombres y fue castigado por elllo - con la leyenda hebrea de El Golem - un muñeco de barro animado mediante fórmulas cabalísticas - todo ello narrado a través de la historia de Víctor Frankenstein, quien desafía los límites de la ciencia al crear vida.

El éxito de la novela motivó ese mismo año ( 1823 ) una adaptación teatral y en 1910 ( a sólo quince años de la creación del cinematógrafo ) el corto Frankenstein producido por la compañía Edison y dirigido por J. Searle Dawley.

A partir de allí la vigencia de la historia es indiscutible y las versiones cinematográficas diversas.

Vamos a detenemos necesariamente en la que James Whale dirigiese para la Universal en 1931, la cual instauró una imagen definitiva para el monstruo en el imaginario popular, así como otros elementos; la parafernalia electrónica, el ayudante jorobado de Víctor ( llamado Igor ), los aldeanos persiguiendo al monstruo con antorchas y - fundamentalmente - que éste tuviese el cerebro deforme de un criminal - hechos todos que no pertenecían al imaginario particular de Mary Shelley en su novela.

También debemos consignar que este film, cómo el Drácula de Tod Browning del mismo año carecen de una partitura original que las complemente.

Pero, a no desesperar, la justicia llega tarde, pero finalmente llega.

Las cosas cambiarían al filmarse la secuela que también dirigió Whale, uno de los mejores films de terror de la historia del cine y que además tiene una extraordinaria partitura cinematográfica, nos referimos obviamente a La Novia de Frankenstein ( Bride Of Frankenstein ) de 1935.

Sin dudas fue la partitura de Lilom ( Fritz Lang, 1934 ) el trampolín que precipitó el encuentro entre estos dos creadores, el compositor para aquel film, el impar Franz Waxman ( Objective Burma!, Demetrius and the Gladiators, Rear Window,Taras Bulba, Prince Valiant ) y el director Whale. Este hecho permitió que Waxman llevara a cabo una de sus mejores creaciones y que ése trabajo enalteciera aún más la película hasta convertirla, como decíamos más arriba en uno de los pilares de la fantasía y el terror moderno.

Hablar de Franz Waxman implica referirse a un compositor con una clara formación clásica que revisó a su manera el sinfonismo y post – romanticismo alemán y también desarrolló – como hicieran otros profesionales de la música del cine – las ideas de Richard Strauss, sin olvidar a otros importantes maestros como Serguei Prokofiev y Dimitri Shostakovitch, éste último su dilecto amigo personal.

Continuando con la edición discográfica, no podemos sino ponderar la versión de esta banda sonora que puede conseguirse por el sello Silva Screen Records interpretado por The Westminster Philharmonic Orchestra que, conducida por Kenneth Alwyn, respeta ( excepto en un tema ) la orquestación de Clifford Vaughan para la música del film y viene acompañada de un completísimo booklet, conteniendo además una interesante suite de su música para The Invisible Ray, película también protagonizada por Boris Karloff en la década del treinta.

Volviendo a The Bride Of Frankenstein , ya en el Main Title encontramos ( como era costumbre en la época ) la génesis de lo que vendrá, se exponen allí tres temas que irán apareciendo alternativamente en el desarrollo de la trama. A saber: El tema de La Criatura, el de La Novia en cuestión y, finalmente, el del Dr. Pretorius ( quien induce al Dr. Frankenstein para que continúe con sus experimentos ). El primero amenazante, el segundo suave y fantasmagórico y el tercero decididamente maquiavélico, pero los tres muy fáciles de retener e incorporar para el escucha habitual de scores.

El Prologue contiene dos segmentos bien diferenciados, Primero el suave Minueto ( que corresponde a la escena en la cual Mary Shelley comienza la narración que continúa su novela ante un interesado Lord Byron.) y el fragmento denominado Storm que no es sino un recuento musical / visual del primer film donde los motivos se entremezclan elegantemente.

Le sigue Monster Entrance donde la presencia de las cuerdas indica la resurrección de La Criatura ( que de paso asesina a un pobre aldeano ) y la Processional March , tan solemne como potente y propia del estilo de este gran compositor.

En Pretorius Entrance y You will need a Coat regresa nuevamente al tema de Pretorius; para luego permitirse un momento de comedia describiendo las pequeñas creaciones de éste en el tema Bottle Secuence. Por su parte, Female Monster Music desarrolla como era previsible el Tema de La Novia, pero esta vez para convencer – junto con Pretorius – al Dr. Frankenstein para que cree vida nuevamente.

No obstante estas minuciosas descripciones hay dos temas que fueron, son y serán los más reconocidos de esta banda sonora, Dance Macabre - una reelaboración de los temas de Pretorius y La Novia - y The Creation, un poema sinfónico que reúne estos dos temas con el de La Criatura, entrelazándolos inteligentemente hasta finalizar parodiando a la conocida Marcha Nupcial de Félix Mendelshon.

The Tower explodes and Finale, es obviamente el tema que acompaña a la destrucción del laboratorio y a aquel obligado final feliz que la película debió tener para " complacer al público " ( o más bien a los productores ).

En suma, una creación inolvidable tanto musical como visualmente hablando que siempre valdrá la pena recordar.

Distinto es el caso de ese gran referente de la música de cine en nuestros días como es Maurice Jarré ( Lawrence Of Arabia, Gorillas in the Mist, El Cóndor, The Mosquito Coast e Is Paris Burning ?, entre otras ) a quien se le asignó la composición de una nueva – y visiblemente menor - versión de La Novia ( cuyo título precisamente es The Bride ) dirigida por Franc Roddam en 1985.

Esta banda sonora resultó toda una sorpresa para los seguidores del compositor ya que, durante la década del ochenta, Jarré se había volcado – con poca fortuna – a componer utilizando sintetizadores. En este contexto The Bride significó un volver a las fuentes muy celebrado por los aficionados ya que esta partitura fue compuesta para una gran formación orquestal ( en este caso The Royal Philharmonic Orchestra ), dicho trabajo, en su momento pudo ser apreciado únicamente en LP pero ahora es editado por primera vez en CD – por el Varese Sarabande CD Club - en una tirada que, lamentablemente no supera los mil ejemplares.

The Bride, el primer tema, contiene el habitual motivo que en este caso está relacionado con Eva ( nuevo nombre para la creación del Dr. Frankenstein ) es bello y triste al mismo tiempo e incluye la interpretación del Ondes Martenot a cargo de Cynthia Millar, acaso haciéndose cargo de un deseo incumplido de Franz Waxman que quiso incluir este instrumento en su partitura de 1985.

También son importantes los temas Rinaldo – música circense relacionada con un personaje enano – y Frankenstein – asignado al Dr. ( que aquí se llama Charles, en lugar de Víctor como en la novela o Henry como en las películas de Whale ) y por supuesto se trata de un motivo que refleja su obsesión científica. Ambos temas, bien vale aclararlo, han sido intercambiados sin motivo en la edición en CD. Como sucediera con su antecesor, el compositor francés se vale de estos tres motivos para desarrollar un muy buen trabajo.

Así desfilan In the Woods, un tema que comunica profunda tristeza hasta convertirse en el clásico motivo incidental para un film de terror, el siniestro The Jewels , Bela, con un suave aire heroico y fundamentalmente Frankenstein’s Punishment, en donde todo el dramatismo de la historia estalla, feroz; aquí el compositor también evoca sonoridades que bien podrían pertenecer al trabajo de Waxman. Finalmente, Together, que no fue incluido en el film, es un oportuno desarrollo del tema principal y un muy digno cierre del álbum.

Gótico, trágico y romántico. La sugestión que el Dr. Frankenstein y su criatura han ejercido sobre los cineastas de todas las épocas está lejos de terminar. Habrá sin duda, más y – tal vez – mejores lecturas del mito y junto con ellas regresará La Novia y , como en un cortejo, los nuevos valores en la composición de Bandas Sonoras.

Por nuestro bien, que así sea.

COULD MOUNTAIN

 

Regreso a Cold Mountain.

Música compuesta y dirigida por:Sony Music Soundtrax / DMZ / Columbia 515119 2 .

La guerra de secesión en los Estados Unidos fue –como todas las guerras– injusta, cruel y desgarradora, vaciando de sentido la vida de todo un pueblo y comprometiendo seriamente a sus instituciones.

Cold Mountain, el film de Anthony Minghella, sitúa esta tragedia en medio de una historia de amor que es casi imposible; no tanto debido a la voluntad de sus protagonistas sino al entorno en que deben relacionarse y nos habla muy seriamente sobre la orfandad, tiempos casi imposibles.

Ahora, vayamos a Cold Mountain, el soundtrack, para notar que su producción a cargo de Bone Burnett captó plenamente esta idea en su elección de canciones folkóricas del Sur de Estados Unidos, con notables intérpretes como Jack White, Sacred Harp Singers At Liberty Church, Tim Eriksen y Alison Krauss, que no sólo ambientan la acción sino que dejan entrever este sentirse huérfanos, no sólo de padres, sino también de hogar y patria. Esa realidad que es a la vez angustiante y casi irremediable.

En este contexto, y dejando en claro que esta vez son las canciones las que nos cuentan musicalmente la historia, el compositor Gabriel Yared es simplemente un agregado en el film y el CD se encarga de demostrarlo dedicándole acertadamente sólo cuatro tracks a su trabajo entre los cuales sobresale el hermoso Ada and Inman. Es que en el film el lugar de la música incidental está relegado a un simple con las canciones para establecer una lectura distinta de lo que las imágenes muestran.

Así las cosas, quizá no estaría errado decir que Yared, habiendo visto el planteo del film, decidió tomar partido por interpretar los estados internos de los protagonistas, absteniéndose sabiamente de competir con las canciones puestas por el director Minghella en un obvio primer plano.

Sin merecer en modo alguno la nominación al oscar que le fue otorgada, al trabajo de Yared bien puede prestársele atención ya que, si bien no es relevante, se trata de una banda sonora agradable y profesional que ilustra parcialmente a una película de buena factura.

 

LOONEY TUNES

Looney Tunes de nuevo en acción .

Varese Sarabande Records. 302 066 523 2

Que harían ustedes si tuviesen que trabajar con una leyenda del cine ?.
Porque, si nos ponemos a pensar, en este film hay por lo menos tres, Bugs Bunny, el pato Lucas y Jerry Goldsmith. Todo un desafío aún para un director experimentado como Joe Dante.
Durante la década del 30, la Warner Bros. y el productor de dibujos animados Leon Schlesinger. estrenaron una serie de cortometrajes animados de – aproximadamente - seis minutos con singular éxito, llamados genéricamente Looney Tunes.
La pluma de grandes artistas como Chuck Jones, Fritz Freleng, Tex Avery, Bob Clampett y Robert McKimson crearon una galería de personajes inolvidables como Bugs Bunny, el pato Lucas, Porky, Elmer, el Demonio de Tasmania, el Correcaminos, el Coyote, Tweety, Silvestre, Marvin el Marciano y el Gallo Claudio, entre otros. A ellos se sumaron Mel Blanc , encargado de crear sus voces y el compositor Carl Stalling quien se destacara creando una brillante Banda Sonora que – entre otras cosas - puso al alcance del público versiones cómicas de célebres temas clásicos. La consecuencia – ahora lo sabemos - lógica, obras maestras como Goldimouse and The Three Cats, Birth of a Notion, The Astroduck, A Star is Bored, The Duckorcist o Speedy Goes to Town.
Afortunadamente – decíamos más arriba - la recreación de este universo cayó en manos de Joe Dante quien ya formara un binomio creativo con el maestro Jerry Goldsmith en Gremlins 1 & 2, Small Soldiers Innerspace y ese gran clásico de la banda sonora de comedia que es The Burbs.
Así las cosas y asumiendo su status de leyenda , el compositor californiano, compuso un score donde la calidad de la música se fusiona perfectamente con la de la película y desarrolló una partitura con predominancia de temas cortos en los que abunda el mickeymousing , es decir, la absoluta subordinación de la música a las imágenes animadas con paradas súbitas, cambios de ritmo alternados e instrumentos inusuales.
Sin embargo, y demostrando un gran esfuerzo de su parte, la música de Looney Tunes. Back in Action no llega en ningún momento a ser sólo un compendio de citas a Carl Stalling , tal como ocurrió ( o se le impuso) a James Newton Howard con su Space Jam – aunque éste, de todos modos, lograra un gran trabajo -.
Para este film, el compositor de Basic Instinct creó un tema principal que, aunque creamos que pasa inadvertido, tiene un cierto parecido con el de The Burbs y es previsiblemente desarrollado a través de distintas variantes a lo largo de todo el álbum.
También en el CD podemos encontrar una gran variedad de estilos y géneros, que se encuentran allí fundamentalmente para comentar la gran cantidad de citas cinéfilas que aparecen, aunque predominan aquellos que acompañan las acciones de los Toons.
Así, Goldsmith aprovecha su experiencia para introducir toques jazzísticos - caracterizando de esta forma todo lo relacionado con el súper espía Demian Drake - como en Out of the Bag, o románticos como en Paris Street, también melancólicos como en In Style e incluso motivos que remedan al western y son usados oportunamente cuando aparece Sam Yosemite y que pueden escucharse en The Bad Guys y Car Trouble.
El CD tampoco olvida recoger el espíritu propio de los antiguos cartoons que protagonizaron los personajes del film, así aparecen refrescando nuestra memoria los temas Life Story (Carl Stalling ) y Merry Go Round Broke Down ( Cliff Friend & Dave Franklin ).
Y como si esto fuera poco dentro del mismo paquete, el compositor se cita musicalmente en un pasaje en el que los protagonistas viajan en un antiguo coche modelo Gremlin apareciendo entonces brevemente la melodía que Goldsmith compusiera para Gremlins.
Debemos añadir además que en el film se acredita a John Debney como compositor de la música adicional debido a que la película se reeditó antes de su estreno. Para esto, Debney compuso 16 minutos que son ignorados en la edición Varèse, en la que tampoco se menciona su participación en el score.
Y a propósito de la discográfica. Lamentablemente Varèse Sarabande sólo ha editado 37 escasos minutos, dejando, como es habitual, cantidad de valioso material afuera. Los aficionados nunca terminaremos de lamentarlo.
Looney Tunes. Back in action, aunque algo difícil de asimilar al principio debido a su estilo poco convencional, es sin duda un trabajo notable, lleno de dinamismo y vitalidad.
Si usted, amigo lector, disfrutó alguna vez de un tema de Jerry Goldsmith, no lo dude, este es su CD.
Y si ya lo conoce y/o lo admira, déjese llevar otra vez por la magia de uno de los creadores fundamentales a la hora de hablar de Música de Cine.

 

LA PUNTA Y LA BALLENA

La Puta y la Ballena. Compuesto y dirigido por Andrés Goldstein y Daniel Tarrab.

Pocas veces la historia de un destino circular que se completa sólo a través del paso de setenta años fue contada tan bella y trágicamente como en este film de Luis Puenzo, en donde las imágenes, todas ellas contundentes, muestran como la suerte va tejiendo la relación entre dos mujeres que finalmente terminan siendo una y la misma.Para esta difícil pero exitosa empresa, el director contó musicalmente con el importante aporte de los músicos Andrés Goldstein y Daniel Tarrab, aquellos que ya lo acompañaron compositivamente

Broken Silence" (2002)segmento "Some Who Lived", producido por el cineasta Steven Spielberg.

Ambos autores crearon para La Puta y la Ballena una Banda Sonora que transmite principalmente el dolor y la melancolía que recorren al film, alternando el con reconocidos tangos como Flores Negras, Bailarín Compadrito y Danzarín, rescatando así, tanto el recorrido narrativo de la película como su sentimiento. No podemos olvidar la composición que en tiempo de dos por cuatro se interpreta en diferentes versiones en el CD y en el film, hablamos, claro, de La Lamparita, tango que ciertamente no desentona con los antes mencionados y un tema de jazz, eficaz como contrapunto.En suma, un trabajo musical que atrapa al oyente y lo incluye en ese que también tiene el film para hablarnos de ausencias dolorosas , de afectos que van más allá del paso del tiempo y fundamentalmente , de mujeres de coraje portadoras de una arrebatadora belleza. También claro, de una ballena, que a su tiempo es tan protagonista como ellas.

Para finalizar, digamos que siendo coherentes con nuestra prédica de años es muy auspicioso que sellos vernáculos editen Bandas Sonoras de films nacionales, ya que de esta manera se valora más y mejor a nuestros creadores en ese complicado arte que es la composición de música para el cine.

 

 

 SINBAD EL MARINO
  

 

Un Héroe con Historia. La Leyenda Cinematográfico Musical de Sinbad el Marino:

Extraída del anónimo relato oriental de Las Mil y Una Noches, las aventuras de Sinbad el Marino siempre fueron de interés para el cine, incluso desde sus comienzos.

Así es como nuestro marino aventurero hace finalmente su debut en la gran pantalla en 1936, pero en una producción animada dirigida por George Pal - quien posteriormente se convertiría en el insigne productor de, por ejemplo, la primera versión de The Time Machine ( La Máquina del Tiempo, 1960 )-. Curiosamente, este film animado fue realizado en Holanda y significó el primer paso de Pal desde la publicidad hacia el cine de ficción, rubro en el cual realizaría una exitosa carrera.

Poco más tarde llegaría su primera encarnación de la mano del actor y acróbata Douglas Fairbanks Jr. en el film Simbad the Sailor ( Sinbad el Marino, 1947 ) dirigido por Richard Wallace, un prodigio para su época que deslumbró a la audiencia. Su banda sonora original estuvo a cargo del hábil Roy Webb y una suite de dicho score puede escucharse en el compilado de Cloud Nine Records The Film Music of Roy Webb ( CNS 5008 ).

De todos modos no sería sino hasta 1958, año del rodaje de The 7th Voyage Of Sinbad ( Sinbad y la Princesa, 1958 ) de Nathan Juran, que las aventuras del personaje encontrarían su mejor expresión gracias a los efectos especiales de Ray Harryhausen quien recreó excelentemente la galería de monstruos y seres mitológicos que Sinbad debe combatir. Su banda sonora fue confiada a Bernard Herrmann, maestro de la música cinematográfica que continuó con este trabajo una serie de inolvidables composiciones para el fantástico que incluye a The Day the Earth stood Still ( El día que paralizaron la Tierra ) y The Misterious Island ( La Isla Misteriosa ) entre otras, con un estilo que lo aleja de sus trabajos con el Mago del Suspenso, Sir Alfred Hitchcock. Como registro de esta banda sonora podemos encontrar tanto su versión original ( VCD 47256 ) como una posterior regrabación – decente en su factura – con John Debney al frente de la Royal Scottish National Orchestra (VSD 5961 ). Ambas editadas por el sello especializado Varese Sarabande.

Sinbad no regresaría al gran cine sino hasta 1973, año de la realización de Gordon Hessler The Golden Voyage Of Sinbad ( El Viaje Fantástico de Sinbad ), película que contaría también con los efectos especiales – de animación cuadro por cuadro - del genial Ray Harryhausen. La música de esta nueva aventura quedó en manos de otro histórico, el compositor Miklós Rozsa, aquel que engalanara la pantalla con sus scores para films épico históricos como Quo Vadis, Ben Hur y King Of Kings ( Rey de Reyes ). Definitivamente esta música hizo de The Golden Voyage Of Sinba d un film memorable. Para quienes estén interesados en adquirirla su registro en CD corrió por cuenta del sello europeo Prometheus bajo el código PCD 148.

Pasarían sólo cuatro años para la vuelta del marino al cine. Debido al éxito cosechado por The Golden Voyage , Harryhausen decidió emprenderla con Sinbad una vez más, esta vez acompañado en la dirección por el experimentado actor Sam Wanamaker para la realización Sinbad And The Eye Of The Tiger ( Sinbad y el Ojo del Tigre, 1977 ). La música que acompañó a este film fue compuesta por un joven talento – que lamentablemente falle cería poco tiempo después – llamado Roy Budd ( tambien autor de The Wild Geese – Los Gansos Salvajes – y Get Carter ) cuyo trabajo tiene tantos merecimientos como los de los compositores que lo precedieron. El CD de Sinbad And The Eye Of The Tiger fue editado por la casa Cinephile bajo el código CIN CD 005.

Finalizamos este recorrido por los siete mares con la realización animada Sinbad. Legend Of The Seven Seas, una producción de la empresa Dreamworks bajo la dirección de los experimentados Tim Johnson y Patrick Gilmore. Fue asignado para componer este score el Mediaventure Harry Gregson Williams, quien realizó un interesante trabajo, rescatando el espíritu épico romántico y aventurero – típico de este tipo de historias – con un motivo principal realmente heroico que colabora de manera decisiva con la realización. El álbum de Sinbad: Legend Of The Seven Seas, fue editado por DreamWorks Records bajo el código B000073302.

Luego de casi setenta años de vida cinematográfica, Sinbad, sigue más vivo que nunca y podemos confiar que nos reencontraremos con él otra vez en la pantalla. Será un gran gusto, sobre todo si va a estar acompañado por grandes compositores como los ya mencionados.

 KING ARTHUR

King Arthur. Hans Zimmer. Hollywood Records 5046-74664-2. Por Gabriel Ascierto y Jorge L. Viera.

La épica cinematográfica, tuvo, años atrás – en la época dorada de Hollywood – importantes referentes musicales entre los que podemos contar a Miklós Rozsa ( Ben Hur, King Of Kings ) y Alfred Newman ( The Robe, The Greatest Story Ever Told ), ellos eran los encargados en buena parte de hacer reflexionar a los espectadores sobre lo fundamental de esos hechos históricos y las acciones de sus protagonistas. Ese preciado espacio en la industria cinematográfica actual lo ocupa el compositor alemán Hans Zimmer quien entregara en 2000 la excelente Gladiator junto a Lisa Gerrard y Klaus Badelt.

Zimmer es también - y desde hace varios años - la contracara musical del exitoso productor Jerry Bruckheimer, a la sazón, el factotum detrás de esta nueva versión del Rey Arturo.

Así las cosas y ya entrando en materia, Tell Me Now (What You See) interpretado por Moya Brennan – solista del grupo Clannad – abre el álbum para mostrarnos que más allá de la batalla de Badon Hill King Arthur tiene también una historia de amor para contar, posteriormente este tema será utilizado con tal fin en el desarrollo de la banda sonora.

En las cinco suites que le siguen, Zimmer despliega recursos semejantes a los escuchados en scores como Crimson Tide, The Rock y también con el trabajo de su asociado Nick Glennie-Smith The Man in the Iron Mask, quien tambien interviene aquí junto con Rupert Gregson – Williams. ¿ Que queremos indicar con esto ?. Que se trata de un trabajo que lleva el característico sonido Zimmer , es decir, el resultado de una constante percusión al que el compositor le adiciona coros tanto reales ( The Metro Voices ) como sampleados con un interesante apoyo orquestal. Un complejo armado que el compositor alemán maneja con asombrosa facilidad y excelentes resultados.

El segundo track es Woad to Ruin, de más de once minutos, una pieza totalmente descriptiva que incluye algunos pocos apuntes celtas con el confeso fin de situarnos geográficamente. Aquí el coro y la percusión son los encargados de evocar el sentido épico de la lucha por la tierra aunque más adelante serán reemplazados por la melancolía de la sección de cuerdas que nos muestra musicalmente el paisaje de destrucción posterior a la batalla. Es el momento, entonces, del motivo heroico a través de una marcha que ratifique el triunfo. Es de destacar, sin embargo, que dicha marcha no volverá a aparecer en el resto del álbum siendo reemplazada por distintas versiones del tema de amor.

Do You Think I'm A Saxon ? consigue hacernos creer que la batalla sucederá a las puertas de nuestra propia casa mientras los celtas golpean sus pesadas armas contra el suelo. De esta tensión arrolladora el compositor pasa a la utilización de los coros mixtos mezclándolos con sonidos étnicos para resolver el track con el leit motiv presentado de manera solemne.

Hold the Ice y Another Brick in Hadrian's Wall, tienen similar estructura, comienzan con un tinte de dramatismo para convertirse finalmente en melancolía y remembranza. El primero de ellos cuenta con la participación de Moya Brennan otra vez recreando sonoridades celtas.

Budget Meeting, nos lleva a la batalla final con cambios de ritmos y tiempos a los que adosa la percusion y coros heroicos, desarrollando toda la accion sin dejar respiro por casi cuatro minutos para continuar posteriormente con una angustiosa pausa coral. Finalmente todo termina con una violenta percusion y coros que muestran que Arthur dió lo ultimo de si, para alcanzar sus ideales y quedar definitivamente en la posteridad.

All of Them, cierra el score con lamentos de Moya Brennan que, acompañada de vientos y cuerdas nos llevan a rememorar lo sucedido, inspirandonos aquella grandeza con que se evoca la memoria de un Rey.

Lucius Artorius Castus y sus Caballeros de la Mesa Redonda son para siempre una leyenda y cada vez que el séptimo arte quiera recurrir a ellos un compositor de bandas sonoras tendrá que templar su música otra vez en el difícil terreno de la épica cinematográfica.

A partir de este score Hans Zimmer aprueba con creces el examen y lo demás, en este caso más que nunca, es historia.

 

  EL PAGO (PAYCHEK)

 

EL PAGO ( PAYCHEK) . JOHN POWELL. Varese Sarabande 302 066 535 2.

Por Jorge Luis Viera. En colaboración con Gabriel Ascierto.

¿ Que pasaría si en una interesante película de acción - por el vértigo de sus imágenes, su buena dirección y montaje - vemos al héroe y al villano apuntándose cara a cara con sus respectivas pistolas, más la aparición de la infaltable paloma como signo de redención ?. No nos quedará duda alguna que asistimos a un film dirigido por el especialista chino John Woo.

Pero, si en cambio, el protagonista es un clásico "falso culpable", a quien persiguen por su vinculación con un extraordinario invento que no conocemos - ni él ni nosotros - contituyendo de esta forma un típico MacGuffin y la resolución de esa intriga tiene que ver con la concreta utlización de algunos objetos - como un paquete en el film Saboteur ( 1941 ), un vaso de leche en la película Suspicion ( 1941 ) y un encendedor en Strangers on a Train ( 1951 ) -. No tendríamos duda ( siendo cinéfilos, claro ) que estamos ante una película de el gran Mago del Suspenso, Sir Alfred Hitchcock.

¿ Y si ambas características apareciesen en un mismo film ?.

Si esto llegara a suceder, lector, estaríamos presenciando Paycheck ( 2003 ), que, protagonizada por Ben Affleck y Uma Thurman toma como base una novela de Philip K. Dick, escritor norteamericano especialista en futurismo paranoide - que, aunque falleció hace más de dos décadas - sigue contribuyendo con sus ideas al cine hollywodense actual y sino recordemos Blade Runner ( una adaptación de la novela "¿ Sueñan los androides con ovejas eléctricas ?", filmada en 1982 por Ridley Scott), Total Recall ( El vengador del Futuro, sobre el cuento "Usted lo recordará perfectamente", llevado al cine por Paul Verhoeven ) y Minority Report ( Sentencia Previa, basado en el cuento del mismo nombre, dirigido por Steven Spielberg en 2002 ). Y tampoco podemos olvidar The Truman Show ,que es una adaptación "no acreditada" de la novela Time Out of Joint, que Dick publicara en 1959.

Sin embargo, la sumatoria de Dick + Woo + Hitchcock , no reporta en este caso tantos beneficios como se esperaba y Paycheck no deja de ser un film del montón. Bien realizado, si, pero, al fin de cuentas, uno más.

¿ En dónde radica entonces su valor para que merezca un comentario ?. La respuesta está en la excelente labor del compositor y violinista inglés John Powell, quien, formando parte de la empresa Mediaventures - capitaneada por Hans Zimmer - comenzó una promisoria carrera en la industria norteamericana junto con el propio Woo en el film Face Off ( Contracara, 1997 ), cuya banda sonora ya mostraba a un Powell tan ágil como dramático en su composición.

En Paycheck, Powell vuelve a trabajar con John Woo después de seis años. Y si bien - por lo ya indicado más arriba - su composición tiene un cierto aire alla Bernard Herrmann, su creatividad le permite rápidamente despegar de su influencia y demostrar ya en el MainTitle con que tipo de film nos vamos a encontrar. Con un excelente manejo de la percusión y amante de la sonoridad que los violines pueden entregar, Powell nos transporta a un suspenso futurista a través de la inclusión de los sintetizadores que tan bien maneja. Dentro de esa estructura - que es habitual en el compositor - construye el motivo principal, tan enigmático como melancólico.

Más adelante, en el tema 20 Items, afirma la tensión con un motivo rítmico que comienza con cuerdas y finaliza con percusión, semejante a su trabajo para Face Off. Y mientras que en Wolfe Pack utiliza toda la orquesta - mostrándonos su versatilidad - llega a su mejor momento con los temas Hog Chase part 1 & 2, en donde gracias a la excelente conjunción entre música e imagen, una persecución en moto, tan habitual en un film de acción, puede parecer salida de un film Bond.

Para finalizar, Tomorrow's Headlines, destaca por su solo de piano y Rachel's Party, por la oportuna utilización de un cuarteto de cuerdas. ¿ Hablamos de versatilidad, recuerdan ?.

En definitiva, Paycheck el CD, es un trabajo musical que lo tiene todo, acción, suspenso y dramatismo presentados en forma brillante. Ojalá el film tuviese similares virtudes.


  LA BATALLA DE RIDDICK

 

 

La Batalla de Riddick. Graeme Revell. Varese Sarabande 302 066 580 2 .

Contra todos los pronósticos, el film de David Twohy, Pitch Black ( Idem.2000 ) protagonizado por Vin Diesel se convirtió en un pequeño éxito – que luego crecería en su versión en VHS y DVD- en la taquilla norteamericana. Su consecuencia, comercialmente lógica entonces, era emprenderla con una secuela, en este caso no orientada hacia el terror sino en clave de acción y aventura. Así nace The Chronicles of Riddick, en donde Twohy y Diesel vuelven a ocupar sus roles anteriores, el primero dirigiendo y el segundo protagonizando.

Aquí, el antihéroe se ve forzado a luchar – tal y como ocurría en Pitch Blackcontra los necromongers, impiadosos conquistadores de universos cuyo comportamiento para con sus víctimas se reduce a plantearles una simple opción: Asimilarse o morir. Indudablemente debe unirlos algún parentezco con los Borg de Star Trek. ¿ Primos lejanos quizá ?.

Repetir el mismo plantel básico de la primera parte, buscando nuevamente el éxito, incluía contar también con el compositor de aquella. Naturalmente, entonces, vuelve a surgir en la preproducción del film, el nombre de Graeme Revell.

Y es Revell quien acierta otra vez con su banda sonora entregando un trabajo estupendo que holgadamente supera algunas falencias tanto actorales como argumentales del film sin guardar demasiada relación con su score para Pitch Black. Tampoco debemos olvidar que se trata de la primer aventura espacial con gran producción que le toca en suerte, dejando de lado su labor para el largometrje animado Titan AE ( Don Bluth, 2000 ) que obligó, naturalmente, al compositor a manejarse con otros parámetros.

Volviendo a la banda sonora que nos ocupa, es interesante observar que Revell hecha mano de todos sus recursos, eligiendo ser ambient en The Chronicles of Riddick, manejando la acción arrolladora de algunas situaciones en Hunt for Riddick, asignándoles a los villanos un motivo tan misterioso como nostálgico en Vaako Conspiracy ó trabajando

con detalle los sampleados coros femeninos en The Animal Side, para representar la fatal seducción de la reina de los Necromongers.

A la vez, los temas relacionados con la figura del antihéroe como One Speed, Arrival at Helion y End Credit - Final Chronicle, pueden ser extraídos perfectamente para utilizarlos en cualquier film de Schwarzenneger o Jean Claude Van Damme, es decir, que el compositor tampoco descuidó ese costado que la historia ofrecía.

Son también muy disfrutables y a la vez originales, la desarticulación del piano que escuchamos en Pop the Cock, el solo de batería en The Purifiers End, ó la guitarra épica que aparece en Keep What You Kill.

Si la total comprensión de un hecho artístico ( en este caso, cinematográfico ) es fundamental a la hora de presentarlo ante un público y la música incidental – que apoya y comenta el devenir de las acciones – es una pieza decisiva para conseguir ese cometido es Revell quien vuelve a demostrar que, sin olvidar esos parámetros, un gran compositor puede, aunque no renuncie a sus raíces musicales, ser el que aporte al film el sustento necesario para convertir un producto del mainstream en algo más. Este es el caso.

Graeme, una vez más, felicitaciones.

 HELLBOY

  

Hellboy. Marco Beltrami. Varese Sarabande 302 066 562 2. Por Jorge L. Viera.

La carrera conjunta entre el realizador mejicano Guillermo del Toro y el compositor Marco Beltrami ( Mimic,1997.Blade II,2002 ) ha dado por fin su fruto más preciado. Es que Hellboy es verdaderamente una maravillosa banda sonora para escuchar y sobre todo para admirar.

Proveniente del comic original de Mike Mignola para la editorial especializada Dark Horse ( y con la participación del autor como consultor ) el demonio justiciero tuvo una brillante adaptación cinematográfica en la que la banda sonora de Beltrami es el marco perfecto para contar las diferentes aristas de la historia, de por si nada sencillas.

Teniendo en cuenta estas características, Beltrami entrega un score que se ajusta perfectamente a esas coordenadas; siendo en general más siniestro que oscuro, aunque sin privarse de algún apunte épico como en el Main Title. Encontramos también una excelente utilización del coro mixto en Snow Walkers, una melancolía rotunda instalada en el tema Liz Sherman, mostrando musicalmente un típico amor imposible ( obviamente de película ). Acción trepidante en los temas Fireproof, Alley Fight, Nazis y Mechanical Mausoleum y un oportuno apunte cómico en Rooftop Tango y Wake Up Dead ( tema que no finaliza, a decir verdad, muy divertido de todos modos ).

Singularmente, Beltrami puede también ser apocalíptico como en Evil Doers u operístico como en Kroenen's Lied, un verdadero hallazgo del compositor donde se lucen Desireé Goyette y Thomas Truhitte en voces.

Más adelante, vuelve a acertar con el melodramatismo de Soul Sucker y el romanticismo de

Hellboy & Liz. Aunque la frutilla del postre siempre será B.P.R.D., farsesco tema asignado a la agencia encubierta que emplea a nuestro rojo amigo, en donde brilla el trabajo de la cantante Dawn Fintor. Mención aparte merece el trabajo de Robby Virus como ejecutante de Theremin, provocando las delicias de los cultores de la Old Fashion Monster Music como el que suscribe.

Para terminar y siendo justos debemos también mencionar entre tantos aciertos, algunos errores, que van más allá de la calificación musical.

Es lamentable que así como la gran cantidad de ticks, detectados en un sinnúmero de copias ( suponemos que por una falla del master o del transfer ), atenta, logicamente contra la calidad final, también muchos temas de acción que aparecen en el film se encuentran ausentes de este álbum y si bien, su inclusión hubiese sido interesante para el coleccionista, cambiaría el tono general del trabajo cuya oscuridad lo distingue entre las bandas sonoras de Súper ó Antihéroes.

En suma, si, por fin, Marco y Guillermo están haciendo historia con el mismo ímpetu Varese debería vigilar la calidad final de sus productos. No les parece ?.

 

 

 DIARIOS DE MOTOCICLETA

  

 

Diarios de Motocicleta. Gustavo Santaolalla. Universal Records 477 501-9.

El exitoso director brasileño Walter Salles (ganador del Oso de Oro en el Festival Cinematográfico de Berlín y de dos nominaciones al Oscar por la película Estación Central) cuenta el primer viaje de un joven Ernesto Guevara por Sudamérica en 1952, antes de convertirse en el mítico Che. Basada en los diarios personales que tanto el propio Guevara, como su amigo Alberto Granado, escribieron sobre dicho viaje, la película narra el despertar de la conciencia social del Che tras su paso por algunas de las miserias de América Latina.

Granado, consultor del film, ha contado que "así como intuía esa realidad latinoamericana en los libros, el viaje nos hizo comprometernos mucho más con toda su problemática y me abrió muchísimo los ojos. He comprobado que la realidad no ha cambiado y, en algunos casos, es bastante peor de la que pensaba".

Sin lugar a dudas, llevar al cine los Diarios de Motocicleta era un proyecto difícil, pero se asumió con el rigor que era necesario, de allí su rotunda efectividad. Rodada en Argentina, Chile y Perú, esta obra ganó el premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes y en Enero de 2004 obtuvo - tras una exitosa exhibición en el Festival de Cine Independiente de Sundance (capitaneado por el productor de la película, Robert Redford) - un acuerdo de US$ 4 millones para su distribución en los Estados Unidos.

Para apoyar este logrado film, el legendario músico argentino Gustavo Santaolalla creó una banda sonora que sigue los lineamientos actuales del mainstream. Es decir, un trabajo de ambientación general, pero en este caso con acertados apuntes del Folclore Argentino como zambas, huainos y chacareras, conformando así un abanico variopinto, que calza perfectamente con las increíbles postales de Argentina, Chile y Perú que se suceden en este film poco común.

Cabe destacar que la mayor parte de estos temas - con excepción de Apertura y Jardín (extraído de otra obra de Santaolalla) duran poco más de un minuto, facilitando la audición pero perdiendo, lamentablemente, en profundidad.

También contribuyen positivamente las canciones incluidas en el álbum como Chipi Chipi por María Esther Zamora y el inolvidable Mambo de y por Pérez Prado, el recitado Revolución Caliente y la canción de los títulos de cierre Al Otro lado del Río, en la siempre cálida voz de su autor, el uruguayo Jorge Drexler.

Con un excelente diseño del booklet, responsabilidad de Carla Leighton, Diarios de Motocicleta - el soundtrack - se convierte así en una auténtica pieza de colección que no debería pasar inadvertida.

 

 

  LOS SIETE MAGNIFICOS

 

 

Los Siete Magníficos. Elmer Bernstein. Rykodisc RCD 10741

Los Siete Magníficos o Siete Hombres y Un Destino, 1960 ha sido considerada desde hace largo tiempo como uno de los mejores Westerns ( películas de vaqueros Norteamericanos ) de la historia del cine. Su éxito motivó cuatro secuelas cinematográficas, una serie de TV y además su tema principal se convirtió en el símbolo de una famosa marca de cigarrillos de conocido paquete blanco y rojo.

Si bien se trata de una remake estadounidense del film de Akira Kurosawa Los Siete Samurais, lo que no puede ponerse en duda en la actualidad es que Los 7 Magníficos es una cinta histórica, filmada con gran belleza. Interpretada por conocidísimos actores-estrella ( Steve Mc Queen, Yul Brynner, James Coburn y Charles Bronson entre otros ) esta inmortal película cuenta además con una de las más reconocidas bandas de sonido de todos los tiempos, compuesta por el gran Elmer Bernstein.

Para cuando se hizo cargo de la música para Los Siete Magníficos, Bernstein ya había dado mucho que hablar en la industria, como el joven compositor que realizara El Hombre del Brazo de Oro y Los Diez Mandamientos.

El propio Bernstein ( no confundir con su contemporáneo Leonard ) reconoció que la influencia de su amigo y mentor Aaron Copland – a quien se considera como el verdadero impulsor del género
music
al denominado "americana" – fue más que fundamental a la hora de componer la música de este film.

Sin embargo, también podríamos decir que la música de Elmer Benstein va más allá de las meras influencias folklóricas, inyectándole a su banda de sonido una enorme energía . Tan importante fue el significado de esa energía temático-musical, que el director del film, John Sturges, la calificó como "uno más de los personajes protagónicos de la historia".

Aquí está el heroico tema principal y sus gloriosas variaciones (en "Main Title", "The Journey", o "Finale"). También el motivo de los bandidos (en "Calvera", o en "Ambush"). Y las melodías con influencias mexicanas (como en "Quest", "Fiesta" o "Toro"). Todos ellos parte de de la mejor música que alguna vez hayamos escuchado en la sala de cine.

Lamentablemente, El legendario compositor falleció el pasado 18 de Agosto de 2004, en su casa de California. Tenía 82 años. Su inmortal carrera como compositor literalmente cambió la forma de hacer música en el Hollywood de los años '50, introduciendo el Jazz y el ritmo en la música de cine.

Con su popular tema para The Magnificent Seven, el compositor introdujo una grandiosa y novedosa forma de composición, que revolucionó la forma de encarar un Western film. Para los que apreciamos la música cinematográfica siempre nos hará falta su delicado trazo que de por sí es un comentario aparte para la total comprensión de un film.

 

  HÉROE
 


Hero ( Ying xiong ). Tan Dun. Sony Classical SK 87726. 

Entre los años 475 y 221 A.C. el territorio de China estaba dividido en siete reinos. Durante años, estos lucharon despiadadamente por la supremacía. El Reino de Qin era el más decidido, su Rey estaba obsesionado con conquistarlo todo y convertirse así en el primer Emperador. Pero para ello debía acabar con sus enemigos, de los cuales, los legendarios asesinos Espada Rota, Nieve Voladora y Cielo eran los más peligrosos. El Rey prometió grandes riquezas y poder a quien pudiera librarlo de sus tres enemigos. Durante diez años, nadie logró siquiera acercarse al premio, hasta que un enigmático guerrero Sinnombre llegó al palacio cargando las armas de los asesinos ya derrotados. 
El Rey inmediatamente quiso escuchar su historia. Sentado en el palacio, Sinnombre contó su hazaña. Sin embargo el Rey no le creyó, porque tenía una versión diferente de los hechos. Si este argumento los remite a las andanzas de Toshiro Mifune en Rashomon (1950, Akira Kurosawa), es porque en este film también se utilizan los diferentes relatos de un mismo hecho introduciéndolos desde lo subjetivo para mostrar su verdad de los hechos.
El Guerrero y el Rey, entonces, están en el centro de la intriga y sólo los separan diez pasos. En esa corta distancia se encierra una tormentosa historia de amor, honor y deber, que va mucho más allá de los límites de la historia.
Nominada al Oscar y al Globo de Oro a Mejor Película Extranjera en 2003, este es el argumento que motivó al reconocido diector Zhang Yimou (Sorgo rojo, Vivir, Ni uno menos, Happy Times) a realizar su Wuxia (película de artes marciales) - una obligación para todo director chino - oportunidad que el artista utiliza para meditar sobre la esencia misma del heroísmo.
Para esta singular y aleccionadora aventura el ganador del Oscar 2000 por la música del film Wo hu cang long - Crouching Tiger, Hidden Dragon - Tan Dun, incorpora sabiamente al conocido violinista Itshak Pearlman ( de destacada colaboración junto a John Williams en Schindler's List - 1993 - ) y le confía la ejecución de una melodía de tintes ancestrales que constituye a la vez la base del score. Este tema reaparecerá frecuentemente en el álbum como indicando una y otra vez el reiniciar de la historia, a partir de las distintas versiones que se van contando de la misma.
Los diferentes cortes del tema son acompañados tanto por trepidantes percusiones ( gentileza de KODO Drummers of Japan ) en el caso de los enfrentamientos como por percusión y coro en el caso de las batallas, aunando en ambos casos el dramatismo y la poesía que la historia requería para ser contada.
La canción de los títulos de cierre Hero (Theme Song) cantada por Faye Wong no retoma - sorprendentemente - la melodía original y se convierte en un cierre a gusto y medida de los consumidores orientales.
Así y también gracias a esta banda sonora, la increíble historia de este héroe puede ser apreciada en toda su magnitud por un público occidental que podrá participar tanto del deslumbramiento por sus poderosas imágenes como de la sutil poesía de su música; unas y otras de lo mejor que este film chino puede ofrecer.

 

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   ©  Temakel. Por Esteban Ierardo