Cine

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En compañía de lobos. Caperucita Roja, licantropía y el bosque y lo moderno en un film de Neil Jordan , por Esteban Ierardo


  Algunas historias abren una polifonía de variaciones. Este es el caso Caperucita Roja. Primero relato popular, oral, anónimo; luego, a partir de la primera trascripción de Charles Perrault en el siglo XVII, el relato se multiplica y modifica en nuevas versiones literarias. El director y escritor irlandés Neil Jordan ensaya una inspirada reinterpretación, de apreciable vuelto poético, del relato tradicional en En compañía de lobos (The company of Wolves, 1984). Aquí, recreamos primero la génesis popular de la historia de la niña y el lobo, exploramos algunas de sus continuaciones y variaciones literarias.

Navigator. Viaje en el tiempo y una odisea medieval, por Esteban Ierardo


  En la edad media, la peste se expande por doquier. Un grupo de aldeanos, encabezados por un niño visionario, realiza un viaje heroico hasta el otro extremo del mundo. Allí, se alza la iglesia más alta de la cristiandad. Deben llevar una cruz, una ofrenda, y colocarla en su cúspide para lograr el favor divino, para que la peste siga de largo. En su viaje, se produce una inesperada salida hacia otro tiempo.

La visión y la ilusión. Lo visionario y el engaño en "El séptimo sello" de Bergman, y la "Juana de Arco" de Besson, por Este


      La visión puede ser encuentro con la otredad. O también manipulación humana. Este doble camino de lo visionario es pensado en el texto que sigue a continuación, mediante la incitación de dos films situados en la edad media: El séptimo sello, de Bergman, y la Juana de Arco de Besson. El film de Besson se aleja de la estricta fidelidad histórica (que sí buscó Dreyer en su La pasión de Juana de Arco, 1928, o Robert Bresson en su El proceso de Juana de Arco, 1965).

La estética cinematográfica del movimiento Dogma 95, por Leticia Castro


    DOGME 95 nació en 1995 en Dinamarca, en Copenhague. Es un grupo de cineastas cuyo propósito es modificar el lenguaje cinematográfico. Los directores más conocidos de este movimiento son Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, autores de su manifiesto arquetípico. En el texto que sigue a continuación, Leticia Castro analiza la estética de Dogma 95 desde la especificidad de su camino creativo, desde la particularidad de sus films representativos, y desde su vínculo con el espíritu innovador que involucra el concepto y la historia de las vanguardias.

E.I.

Parte del mundo. Comentario sobre Five (2003) de Abbas Kiarostami, por Hernán Sassi


  El iraní Abbas  Kiarostami, el director de Detrás de los olivos y el El sabor de las cerezas, en su obra Five realiza un homenaje, junto a otros, al  notable cineasta japonés Yasujiro  Ozu. La sensibilidad del tiempo de los planos, la magia inexpresable a nivel verbal de lo cotidiano, emerge en Ozu mediante su magia cinematográfica. Hernán Sassi persigue, en el texto que sigue a continuación (previamente editado en www.lafuga.cl), al Kiarostami  que en Five explora una poética del vacío, vinculado con las raíces orientales, budistas y taoístas.

E.I

Stalker, viajero de la civilización perdida, por Hernán Sassi


  Dos personajes llegan a una misteriosa zona. El Escritor y el Científico son guiados por el Stalker dentro de una región física especial, pero que también es vía de ingreso a otra perspectiva de lo real. Los visitantes liberan su nihilismo. Todo sentido parece naufragar en una nada desértica. Pero la visión estética y espiritual que despliega Tarkovski no protege el olvido del ser de nuestra civilización. Por el contrario, es un posible salto hacia un oxígeno no intoxicado todavía por la desesperación. Por eso, Hernán Sassi (*), en el ensayo que sigue a continuación, señala: "Pero Stalker no es un requiem por la humanidad fenecida. Y de ahí que el nihilismo con que se suele tachar a este director sea antes fruto de la necedad e incomprensión de unos pocos que de las verdaderas motivaciones de Andrei Tarkovski".

Kaspar Hauser y la nostalgia de lo intacto, por Esteban Ierardo


   En 1828 se presenta en Nuremberg un misterioso joven con una carta destinada a un capitán de caballería. Sólo sabe escribir su nombre: Kaspar Hauser. Luego, al acceder al lenguaje Kaspar reconstruirá parte de su misterioso pasado. Durante más de diez años ha estado preso en un cobertizo. El enigma de su origen nunca se develó. El carácter dulce y alegre de Kaspar, su apariencia de ser intacto, nutren la nostalgia del hombre plenamente socializado por una vida más auténtica y menos contaminada. En 1974, Werner Herzog, el gran y peculiar cineasta alemán, recrea la vida de Hauser. En su versión, el joven conserva su aura de pureza y adquiere también el poder de lo visionario. Desde su ingenuidad y espontaneidad, una visión lo abre a una trama más secreta.

E.I

Historia (s) de cine, de Jean Luc Godard, editado por Caja Negra


  Las Historia(s) del cine Jean Luc Gordad no requiere demasiadas presentaciones. Es bien conocida su gravitación fundamental en el cine francés, y en el cine arte en las últimas décadas. Además de su obra cinematográfica original (Sin aliento, La chinoise, Elogio del amor, entre otras), Godard es ensayista, pensador, poeta. Esas vertientes de su creatividad se unen en una particular revisión poética filosófica de la historia del cine francés.

La escritura y el cuerpo. Con ocasión de "Escrito en el cuerpo" (Pillow book, P. Greenaway, 1996), por María José Rossi


   María José Rossi ha obtenido el Primer premio Libro de Ensayo Concurso Internacional Topía 2007 por su ensayo El cine como texto. Hacia una hermenéutica de la imagen-movimiento, editorial Topía, 2007. Rossi (doctora en Filosofía por la Universitá degli Studi di Torino (Italia), y docente e investigadora de la Universidad de Buenos Aires (UBA), realiza en su ensayo un intento de desciframiento de la imagen cinematográfica a través de la filosofía hermenéutica, que en Gadamer o Ricoeur tiene sus grandes pensadores arquetípicos.

Ensayo y pérdida. Percepciones de la música en "Ensayo de orquesta" de Fellini, por Esteban Ierardo


   El genio de Fellini brilla con especial fuerza en Amarcod, en 8 1/2, La dolce vita o Y la nave va. Su  Ensayo de orquesta (Prova d'orchestra, 1979) no alcanza el vuelo artístico de las obras anteriores, pero su principal mérito quizá se encuentra en estimular una reflexión intensa sobre la música culta occidental, sobre sus vacíos y contradicciones y, más allá, sobre la música como una experiencia de posibilidades perdidas. A continuación presentamos un texto que aborda el film fellinesco donde el cine, y cierta dosis de experimentalismo vinculado con el recurso de la entrevista, nos induce a pensar el fenómeno musical como dimensión socio-política, pero también como rasguño de alguna experiencia sensible quizá cercana a lo no humano. 

E.I